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La vida de Charles Edouard Jeanneret, Le Corbusier, concluyó el 27 de agosto de 1965. Un año después tuvo lugar en Buenos Aires el episodio con cuyo relato llega a su fin este libro. Como se mencionó en el primer parágrafo de este epílogo, los estudiantes de arquitectura tomaron el poder en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de Buenos Aires cuando el gobierno del general Perón fue derrocado por un golpe militar, autobautizado “Revolución Libertadora”.
Las opiniones en la política universitaria entre 1955 y 1966 se polarizaron en dos grupos principales: los “humanistas” y los “reformistas”. De raíz principalmente católica, los primeros se oponían a los procesos de masificación y buscaban recrear valores de comunidad. Influidos por el marxismo, los segundos eran ardientes defensores de las ventajas de los procesos de modernización, alos que criticaban por insuficientes o injustos. En las facultades de arquitectura, los humanistas eran defensores del organicismo y de las posiciones anteclásicas, mientras que los reformistas eran partidarios de la construcción industrializada y de las aproximaciones “científicas” a la forma. En este contexto, es obvio que la figura de Le Corbusier era un emblema de los reformistas, como para los humanistas lo era la de Frank Lloyd Wright.
El primer aniversario de la muerte de Le Corbusier sorprendió a la Facultad, a las universidades y al país en una situación política nuevamente convulsiva. En efecto, acusado de ineficiencia económica y debilidad frente al “avance marxista”, el gobierno constitucional del presidente Arturo Illia fue derrocado el 28 de junio de 1966 por un golpe militar encabezado por el general Juan Carlos Onganía…
…La figura de Le Corbusier se identificó mas que nunca con los ideales laicos de “progreso”, con la seriedad científica y con la amplitud cultural que estaban siendo literalmente aplastadas. En la segunda semana del mes las cadenas telefónicas que unían clandestinamente a estudiantes y docentes hicieron circular la propuesta de encontrarse en una plaza pública para rendir homenaje a su figura y de ese modo hacer explícita la propuesta antidictorial. Sentados sobre el césped de la Plaza San Martín en el barrio de Retiro, en la mañana del 27 de agosto de 1966, algo más que un centenar de jóvenes escucharon apenas los breves discursos que aludían al Maestro muerto el año anterior...
…además de sufrir los gases lacrimógenos y los palazos, doce de ellos fueron detenidos. …Ese acto homenaje a LC constituyó la primera movilización de los estudiantes de la Facultad de Arquitectura contra la dictadura militar. Pero ese homenaje no fue el único acontecimiento ligado a LC que tuvo lugar en Buenos Aires ese sábado 27 de agosto de 1966. El otro, por una rara coincidencia acaecido al mismo tiempo, tiene todo el misterio de las paradojas.
En la mismísima Casa de Gobierno, vale decir en la Sede del Poder Ejecutivo Nacional, el general Juan Carlos Onganía recibió esa mañana a una nutrida delegación integrada entre otros por el ministro de Trabajo y Seguridad Social, Dr. Salimei…El propósito de la visita era presentar a quien había asumido todos los poderes de la República el Plan Regulador de Buenos Aires, es decir la pieza urbanística que elaborada y re-elaborada a los largo de los años en oficinas con nombres cambiantes se había ido consolidando, entrelazándose con las ideas por primera vez bosquejadas en 1929 por la mano de Le Corbusier…
…Ante la presentación el propio general Onganía, un convencido “planificador”, manifestó: …”que le agradó mucho el estado en que estaba el estudio, al que juzgó de medular y serio y dijo que consideraba que sus principios tendrían que servir de base para cualquier obra similar que se realizara…..para cualesquiera de sus proyectos u obras, coordinarlos con las bases sentadas por la OPRBA. La superposición en una misma mañana de ambos episodios, en los que la obra de Le Corbusier funciona como ejemplo “revolucionario” en dos sentidos opuestos, constituye una paradoja….
Texto caprichosamente seccionado del epílogo “Arquitectura y Revolución”, incluído en el libro de Jorge Francisco Liernur con Pablo Pschepiurca titulado “La red austral. Obras y proyectos de Le Corbusier y sus discípulos en la Argentina (1924-1965)", de edición reciente, que juzgamos imprescindible y recomendamos vigorosamente ya que constituye el documento mas completo hasta la fecha de la relación entre el gran Maestro y la República Argentina.
…”Los pintores Pop dan un significado poco corriente a los elementos corrientes cambiando su contexto o aumentando su escala. Teniendo en cuenta la relatividad del significado y la relatividad de la percepción, los antiguos clisés, en situaciones nuevas, consiguen significados ricos que son a la vez ambiguamente antiguos y nuevos, banales y vivos….Ackerman ha descrito a Miguel Ángel diciendo que …raras veces adopta un motivo en su arquitectura sin darle una forma o un significado nuevo. Incluso conserva sin variar las características esenciales de trazados antiguos para forzar al observador a recordar su origen mientras disfruta de las innovaciones”…Extracto de Robert Venturi. Complexity and Contradiction in Architecture, 1966
El pabellón como programa está en el borde entre la arquitectura y la escultura. Nadie sabe bien que función cumple ni para qué lo construyen, no respetan el tiempo de vida destinado originalmente y no tienen alguna otra obligación que el impacto promocional. Si un espacio religioso puede incitar a metáforas y gestos grandilocuentes, el pabellón es sólo eso. La capacidad imaginativa y artesanal contra el presupuesto y los tiempos, y no mucho más. Los arquitectos son escultores de espacios recorribles en el sentido más estricto de la frase. A pesar de ello algunos han quedado en la historia, como el Pabellón Argentino en la Expo de París de 1889, el de L´Esprit Nouveau de Le Corbusier en 1925 también en París, el Pabellón de Alemania en Barcelona de Mies en 1929, y los más recientes de Tadao Ando en la Sevilla del 92 o de la Serpentine de Toyo Ito en el 2002.
Venimos insistiendo con el valor de la búsqueda y el no quedarse en ninguna “zona de confort”, y dos de los estudios que más respetan estas premisas y con marcado éxito son los UN Studio (Ben van Berkel + Caroline Bos) y los SANAA (Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa). Por estos días están de estreno dos pequeños pabellones de sus respectivas autorías: El Pabellón Burnham en el Millenium Park de Chicago y la Serpentine Gallery versión 2009 en el Hide Park, pleno corazón londinense.
En el primer caso una estructura de madera -tradición norteamericana- se esconde tras unas láminas blancas reflejantes que simulan una plasticidad ficticia. Como si al sándwich miesiano lo dejaramos mas de 3 horas a baño maría. Los planos inflexionan su relación con el entorno encontrando nuevas tensiones. La escala del gesto y las luces durante la noche son su gran atractivo. No se qué opinan ustedes, pero para sacarse un par de fotos es mejor que los lobos marinos de la playa Bristol en Mar del Plata.
La Serpentine lleva aquellos gestos que el primer Niemeyer le copiaba a Burle Marx hacia límites anoréxicos, famélicos, casi metafísicos. Por su materialidad reflejante (será una moda?) pareciera que estamos bajo el fuselaje y las alas de un Concorde, sostenido por esbeltos mondadientes. Demasiado etéreo para ser estable, sin embargo logra recuperar cierto buen gusto que se había perdido en esta propuesta del Hyde Park en los últimos años. No está nada mal tomarse un capuchino por allí escuchando algún cuarteto de cuerdas.
Los conejos se reproducen muy fácilmente, pero no los que habitan dentro de las galeras de los estudios de arquitectura. Estas propuestas pasatistas como cualquier Hit del Verano cumplen su objetivo con bastante dignidad...
Editado por el arq. Martín Lisnovsky
Inauguramos hoy una serie de fotografías de estudiantes de arquitectura. El ojo en constante ejercicio, propio de la profesión, comienza a entrenarse desde los primeros años de la carrera sumándose a las sensaciones y actitudes más naturales propias de cada uno. Intentaremos encontrar en estos próximos grandes arquitectos recuadros interesantes que nos inviten a mirar mas allá de lo que tenemos frente a nosotros.
Patricia San Nicolás Vargas, 20 años, nació en Venezuela, se crió en Ecuador y actualmente cursa la carrera en La Serena, Chile. Siempre con su cámara a cuestas, totalmente amateur pero volcando una gran pasión por la fotografía, busca y encuentra. Vi algunas en su blog: www.sanicolas.blogspot.com y le solicité participara en esta nueva idea. Gentilmente accedió y aquí estamos, disfrutando del arte que ustedes mismos ya son capaces de generar. Muchas Gracias y Felicitaciones, Patricia.
Algunas referencias:
SS853027: jugando con espacios, maqueta de estructura de barrio, Arquitectura, Universidad De La Serena, Chile - SS853027: [esta foto es antigua, la tomé con la primera cámara fotográfica que me regaló mi papá :) ] Árbol, en el Mausoleo de Gabriela mistral, Monte Patria, IV Región de Coquimbo, Chile. - P7220027: Ruta 5, La Serena, Chile - P6090031: Universidad Diego Portales, Santiago, Chile. - DSCF1257 acercamiento a la muerte de la primavera en una flor. Lugar: Poblado de islón, casona patronal, La Serena, Chile - DSCF2193 la tela en la arquitectura, su flexibilidad y posibilidades. Lugar: Caleta de Hornos, La Serena, Chile - DSCF2204 paisaje natural. Lugar: Caleta de Hornos, La Serena, Chile. - DSCF2337 Posicionamiento de la escala humana con la obra. Lugar: Iglesia de La Higuera, IV Región de Coquimbo, Chile - DSCF2435 Fotografía tomada desde los techos de un condominio en La Colina del Pino, La Serena Chile. - DSCF2586: Nuevo paso peatonal del Mall Plaza La Serena, Chile. - DSCF2763: Espera. Lugar: Centro Comercial Puerta del Mar, La Serena, Chile. - DSCF1216: Casa Patronal, Poblado de Islón, La Serena, Chile. - DSCF2837: Iglesia Santo Domingo, centro de La Serena, Chile.
Los interesados, pueden enviar un mail.
…”Gropius no quería una arquitectura basada en la forma, sino una arquitectura basada en las ciencias naturales. Mies van der Rohe era otro mundo y, aunque me entendía muy bien con él, tendía más a la creación, elaboración o construcción de la forma; proyectaba formas arquitectónicas. Gropius no buscaba la forma, sino lo esencial, lo sustancial”…
Frei Otto, Conversaciones con Juan María Songel. Barcelona, 2008, Editorial GG
Publicado originalmente en Der Architekt en octubre de 1997
Muy preciso y claro nuestro amigo Otto. Salvo por un período inicial, Mies no buscaba formas, porque ya la había encontrado:se basaba siempre en la misma geometría. Sobrevolaba diversas conformaciones estructurales y materiales dentro de un paralelepípedo regular: el Ortoedro. Como nos contaba Le Corbusier en vers une architecture, ese camino era ideal para llegar a la satisfacción del espíritu, pero le resultaba très difficile de lograr. Mies encontró el atajo para hacerlo très facile: Lo vació de programa, trasladando el problema a los futuros usuarios: El Crown Hall del IIT en Chicago entre 1950-1956, el Edificio Seagram en New York 1954-1958, las Oficinas Bacardi en México 1957-1961, la Nueva Galería Nacional de Berlín 1962-1968. Todos ellos conciben el vacío neutro fundamentado en la flexibilidad, pero para que pueda desarrollar alguna función es obligatorio volver a diseñar las disposiciones interiores: un poco mucho cuando el proceso se repite al infinito.
Gropius no era –generalmente- la pluma de oro de sus oficinas, sino más bien buscaba apoyarse en un socio o colaborador y con su visión y ética del diseño ayudarlo a depurar la idea. Como estos personajes fueron rotando a lo largo de su historia profesional (Adolf Meyer, Maxwell Fry, Marcel Breuer, Konrad Wachsmann, todo el grupo del TAC) la idea de una búsqueda permanente, mas cercana al laboratorio que al prejuicio, le permitió desarrollar una arquitectura muchísimo más amplia que aún no es del todo reconocida. Además del edificio de la Bauhaus en Dessau, podemos citar: El Teatro Total de 1927, el Siedlung Dammerstock de 1927-1928, el Village-College en Cambridgeshire de 1936, la Aluminium City Terrace en Pittsburg de 1941, la Embajada de Estados Unidos en Atenas en 1956-1961 y el Edificio de Pan American Airways en New York de 1958-1963, entre tantos otros.
El que busca, encuentra. Mies la encontró demasiado rápido y quedó encerrado en un mismo concepto, o quizás no se animó a salir. Gropius siempre fue por más y no se equivocó. Su trayectoria profesional puede tener mayores altibajos pero la necesidad de no quedarse cómodo y exponerse es una de sus mejores lecciones…
Publicado por el arq. Martín Lisnovsky
Empate técnico y moral. En el resultado de la encuesta que cerramos ayer inaugurando los duelos entre verdaderos titanes, Louis I. Kahn aprovechó la ventaja de una obra más para casi alcanzar los votos sumados por Renzo Piano. Una paridad que habla de la vigencia de un maestro a pesar que su presencia esté relegada en varios medios. El mejor promedio de votos por obra que tiene Renzo le da una pequeña luz de alegría y es lógico por su imagen generacional. Muchísimas gracias por sus democráticas contribuciones y los invitamos a un nuevo Duelo Maestro, donde Lord Norman Foster (en su período del siglo XX, cuando encabezaba una gran estudio y no todavía una Multinacional) intentará dar pelea a los clásicos de clásicos, las mejores obras de Le Corbusier. Una dura batalla que enfrenta los dos más grandes arquitectos del marketing, referentes fundamentales para sus respectivos tiempos. Veremos para que lado van los porotos...
Editado por el arq. Martín Lisnovsky
1- Erich Mendelsohn. Torre Observatorio para Albert Eintein en Potsdam 1918-1924
2- Submarino. Puede ser éste o cualquier otro
Erich Mendelsohn era un apasionado del arte y de la cultura y un conspicuo seguidor de Johann Sebastián Bach. La banda de sonido que alimentaba sus momentos de ocio y de trabajo pertenecía exclusivamente a las melodías barrocas y los contrapuntos del gran compositor. Por desgracia, no alcanzó a escuchar a los Beatles. Cuando luego de la Primera Guerra Mundial le llegó el encargo para el observatorio destinado a verificar -en parte- la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein, su inspiración buscó formas dinámicas y expresivas del movimiento. Las referencias a desarrollos industriales ya se habían publicado por la Deutscher Werkbund y en esa misma dirección percibimos en algunos bocetos previos una muy notoria relación con los submarinos emergiendo del fondo del océano, donde las olas también inspiran morfología. Lamentablemente antes de construir el proyecto, los objetivos primarios se habían alcanzado en Inglaterra, y el proyecto parecía mantener el mismo destino que el famoso submarino U65, con croquis fantasmales realizando “apariciones” en libros y revistas. Pero el construir una torre homenaje a AE consolidó su construcción. Al fin y al cabo, el explorar espacios ajenos a la atmósfera sobre la superficie es tan propio del fondo del mar como del infinito universo. No podemos confirmar que en la aventura de los jóvenes John, Paul , George y Ringo por tierras alemanas hayan conocido la obra de EM, pero la elección de una variante tonal del amarillo bien podría haber anticipado la lúdica canción de 1966 cantada por Mr. Starr, idea que se reafirma en una de sus últimas estrofas: “Sky blue, and sea green, and a yellow submarine…”
Todos vivimos en un Submarino Amarillo, pero los que indicaron la relación entre el observatorio y los submarinos en un reciente práctico de la facultad son los próximos grandes arquitectos Mercedes Acuña, Emiliano Millán y Nicolás Tinto.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky
Recortes caprichosos de cuadros de Marc Chagall (Vitebsk 1887-Saint-Paul-de-Vence 1985). Cuadros dentro de Cuadros. Para algunos será una aberración al arte del artista, una falta de respeto, un escándalo innecesario, un abuso de la tecnología. Para nosotros, sólo una ejercicio experimental que intente verificar que si bien en la totalidad de la obra se encuentra el mensaje, en los detalles podemos hallar las diferentes facetas expresivas del artista, sus cualidades más personales, sus inconsciencias menos protegidas. Otras relaciones y los personajes modifican a veces su rol: el secundario es protagonista, el detalle pasa a dominar la composición. Será una parte de la poesía gráfica que Chagall intentó trasmitir o detalles de lo que su mano es capaz. Con el conjunto de los detalles quizás no podamos recomponer la idea del cuadro, pero si la elástica capacidad de su genio. Sin dudas, en las composiciones de Chagall, Dios está en los Detalles.
Los recortes pertenecen a los siguientes cuadros (por orden de aparición)
1-La tentación, Adán y Eva, 1912 | 2-El establo, 1917 | 3-La aparición de la familia del artista, 1947 | 4-Ramo de flores, 1937 | 5-En torno a ella, 1945 | 6-Historia de la sirena Chulanar y de su hijo, el rey Bader Basim de Persia, 1945 | 7-El caballo del circo, 1964 | 8-La muerte de la cara amarilla, 1957
Editado por el arq. Martín Lisnovsky
